Los festivales de Galante en ese momento Louis XV

Ciertamente los has visto, en porcelana, lienzo o incluso tapiz, estas pequeñas parejas galantes que cortan en el campo. ¿Pero quiénes son? ¿Por qué están sentados en el suelo con atuendos tan elegantes? Cansado de la formalidad del arte barroco del período anterior, entramos en un tiempo hacia la ligereza. El tribunal deja a Versalles para París, un lugar propicio para más libertad y Joie de Vivre favorece los amores. Volvamos a este siglo XVIII francés que ve la vida en rosa.

Festivales de Galante en el arte mayor

En el siglo XVII, la pintura de género, una gran tradición veneciana y flamenca, se consideraba menor. Son solo escenas anecdóticas de la vida cotidiana las que no agradan a la academia. Las escenas de amor no tienen su lugar entre la élite intelectual de la aristocracia. No fue hasta 1717 con la pieza de recepción la peregrinación a la isla de Cytera de Antoine Watteau (1684-1721) para que las cosas cambien. La Academia, ante su talento, se niega a relegarla a un género menor y decide crear el género del Gallant Party.

Se trata de representar un momento de ociosidad social de la aristocracia en un país . A esto se agrega el concepto de seducción fuertemente presente. Antoine Watteau ya no representa solo la vida diaria, sino una ligereza que atrae a ambos individuos, de los cuales vienen la mayoría de los fondos, y a la Academia de Bellas Artes designadas por el gobierno.

Galleta, escena de caza con pareja galante, siglo XVIII

Pero, ¿qué establece la valiente fiesta de otra escena de la vida aristocrática? El tema de la pasión del amor en los sets bucólicos es un pretexto para ser audaz y original en la composición del trabajo. Los artistas juegan sobre la modernidad de la ropa mientras las integran en la atemporalidad del lugar. Las obras de Watteau ilustran los modos de ropa que son contemporáneos. Los historiadores de arte llamarán a los pliegues en la parte posterior de los vestidos franceses del período "plegable watteau" siguiendo sus descripciones específicas. Estas ropa muestran el alto estatus de los protagonistas. Esto permite que los aristócratas se reconocan en estas escenas ociosas y delicadas.

También hay un lugar fuerte dado a la teatralidad y el doble lenguaje. La galantería está adornada con códigos sofisticados específicos de la aristocracia . Hacen posible determinar quién es parte de la buena sociedad y cuál es excluida de ella, mientras que la burguesía comienza a tener los medios para combinarse entre la nobleza. Ser un galante es saber cómo complacer en la sociedad por su ritmo, sus modales y su delicadeza mental. Todo es un pretexto para la galantería, desde el movimiento de un fanático hasta la posición de una mosca en la cara de una mujer joven. Los códigos están inscritos en objetos cotidianos, desde los ventiladores hasta los buscs (cuchilla de madera insertada en la parte delantera del corpiño para mantener la rigidez) de los cuerpos de ballenas. Esto lleva a una educación muy diversa en la juventud aristocrática pero que sigue siendo superficial. Esto inspirará fuertemente a los Dandies del siglo XIX.

Péndulo viejo en bronce dorado y porcelana con una escena galante

No todos estos festivales se realizan por dentro. Sería incorrecto ser demasiado emprendedor en una sala de estar o una pelota. Durante las caminatas al aire libre, lejos de las obligaciones de la etiqueta, el amor puede ser el más emprendedor.

Pastoral o ámate a ti mismo al aire libre

Si tratamos de acercarnos a la naturaleza, es para demostrar que somos académicos y que hemos leído los escritos de Jean-Jacques Rousseau (1712-1778). Según él, el hombre es bueno por naturaleza y es la sociedad la que lo compromete. Por lo tanto, las personas de la sociedad más cercanas a la naturaleza son respetables. Esto lleva a una visión sentimental de los círculos campesinos que se consideran más puras. Ilustrar a los pastores es una oportunidad para expresar el peso del destino de los sentimientos sobre las personas consideradas "simples" e "inocentes". De hecho, criticaríamos la aristocracia, demasiado lejos de la naturaleza, la vanidad y la lujuria en lugar de la fatalidad.

Esta idea no es nueva, el pastoral se populariza en la literatura del siglo III a. C. por Virgile en los Bucolics, pero realmente está creciendo durante el Renacimiento italiano. En Francia, fue Honoré d'Urfé (1607-1628) lo que destaca el cuidado pastoral con el Astrée en 1607. La novela describe las aventuras de los jóvenes cuyos nobles antepasados ​​han optado por alejarse de las guerras para vivir en aldeas a orillas del lignon.

  Detalle de una escena galante en una vieja plantadora de porcelana y bronce dorado

El tema del trabajo pastoral en artes de plástico debidamente habladas llega con la decoración del Hôtel de Soubise en París por François Boucher en 1737-1738. Luego concibió escenas de jóvenes despreocupados y juguetones en una imagen de vida campesina idealizada. Los pastores y las pastores, vestidas como señores y cuyos pies descalzos nunca están sucios, mantienen los rebaños que requieren poco cuidado. Parecen completamente insensibles a las duras condiciones de la vida rural.

Al rodearnos de las obras que representan a esta sociedad ideal, educada pero cercana a la naturaleza, somos virtudes apropiadas. Transponer una escena galante en un paisaje bucólico es una forma de garantizar la buena base de los sentimientos expresados.

Esta glorificación de la vida en el campo estará en su apogeo con la aldea de la reina de Marie-Antoinette . Ella le pide a Richard Mique que le haga un pueblo rural con cabañas con techo de paja y una explotación agrícola en las afueras del Trianon. Hay un granero, lácteos, estables, pigsty y pollo. La leyenda dice que "jugó en la pasta", no es exactamente la realidad ya que usó este lugar principalmente como un lugar de caminata. Estas construcciones aún muestran la importante atracción que tenía el mundo rural y sus actividades en la sociedad aristocrática.

La imagen de un estilo de vida rococó

Después de la muerte de Louis XIV, Francia aspira a más ligereza. Rediado por una etiqueta muy estricta e involucrada en numerosas guerras, la nobleza tomó de la regencia (1715-1723) más libertad y las costumbres se ablandan. Es por el patrocinio de Mme de Pompadour , amante de Louis XV, que se definirá la esencia del arte rococo . La paleta de colores se está limpiando y está disponible en Shades of Roses, azul y rubio para reflejar la alegría de la vida de la corte. El rosa en particular, el color de la flor de la diosa Venus, adquiere la importancia para imitar la marquesa que la lleva en Versalles. Rococo se convierte en un estilo de vida basado en el placer refinado de los sentidos y la satisfacción estética.

A esta perspectiva, se propaga en todos los soportes. La fabricación de Sèvres (fabricante real en 1759) utiliza los grabados y temas de François Boucher, protegido por Mme de Pompadour, por sus logros de porcelana. La blancura de las jóvenes sublimando la blancura de la materia. Entre 1778 y 1797, hay una gran cantidad de temas pastorales en galletas, pequeñas estatuillas sin glaseado, que sirven como decoración de la mesa. Esta es una oportunidad para estimular la imaginación de los espectadores y conducir a conversaciones entre los invitados. Notamos tanto la riqueza de la decoración de su anfitrión como su habilidad para ver más allá de las escenas inocentes.

 Corte de porcelana azul, al estilo de Sèvres, siglo XIX

Debido a que no debes confundirte, dígale a Fleurette en el campo no solo está reservado para un gran amor. La segunda mitad del siglo XVIII vio la llegada del concepto de libertad . El término ya existía en el siglo XVII, pero principalmente representaba una libertad de pensamiento y un cierto inconstancia del sentimiento de amor. Desde el reinado de Louis XV , un buen rey que vive de placeres de placeres, se convierte en sinónimo de la búsqueda de placeres carnales. Esto lleva a un doble lenguaje de obras entre escenas de casas de apariencia y connotaciones sexuales crudas.

Los pastores tocando la flauta pueden mostrar la facilidad de enamorarse en una atmósfera musical rodeada de naturaleza armoniosa, así como representar un acto sexual para la sociedad del siglo XVIII. El juego de looks a veces da paso a gestos explícitos o atuendos desconectados, este es el caso en la galleta de caza con una pareja galante de nuestra colección.

El final del partido, llegada del neoclasicismo

Esta depravación de la aristocracia no atrae a todos y ya en 1750, comenzamos a ver un movimiento en oposición al arte rocoso: el neoclasicismo . Las escenas pastorales continúan existiendo, pero dan un giro más virtuoso. No más amantes entrelazados, las representaciones se centran en los valores nobles del trabajo de la tierra. Solo mantenemos festivales rocosos solo la decoración de una arcadia , imagen de la antigua Roma. Jean-Honoré Fragonard (1732-1806), virtuoso del amor bucólico, pagará el precio de este cambio de gusto. Su serie de pinturas para el Castillo de Louveciennes de Madame du Barry , otra amante de Louis XV, que representa las etapas del compromiso romántico se le devolverá. En cambio, el patrocinador atrapará a Joseph Marie Vien (1716-1809) los lienzos mucho más neoclásicos.

Péndulo los pastores de Arcadia, XIXTH ERA, Detalle

En la década de 1780, hubo un rechazo total del estilo rocoso considerado demasiado frívolo y decadente. La pintura de la historia moralizante se hace cargo de las escenas de género. La paleta de colores usó oscura y el color rosa se abandona a favor del rojo que se considera más serio. Tratamos de volver a las fuentes de arte después de los descubrimientos arqueológicos de Pompeya y Herculano.