Las fiestas galantes en la época de Luis XV

Seguramente las has visto antes, en porcelana, lienzo o incluso tapiz: estas encantadoras parejas cortejándose en el campo. Pero ¿quiénes son? ¿Por qué están sentadas en el suelo con atuendos tan elegantes? Cansadas de la formalidad del arte barroco del período anterior, amaneció una nueva era de desenfado. La corte abandonó Versalles para instalarse en París, un lugar propicio para una mayor libertad y alegría de vivir, que fomentaba el romance. Repasemos la Francia del siglo XVIII, una época en la que la vida se veía de color de rosa.

Las fiestas galantes en el arte mayor

En el siglo XVII, la pintura de género, una gran tradición veneciana y flamenca, se consideraba secundaria. Se consideraba meras escenas anecdóticas de la vida cotidiana, lo cual no atraía a la Academia. Las escenas de amor de Antoine Watteau , La peregrinación a la isla de Citera, que las cosas empezaron a cambiar. La Academia, reconociendo su talento, se negó a relegarlo a un género menor y decidió crear el género de la fiesta galante.

El objetivo es retratar un momento de ocio social entre la aristocracia en un campestre . A esto se suma un fuerte componente de seducción. Antoine Watteau ya no representa simplemente la vida cotidiana, sino una desenfado que atrae tanto a los particulares, que aportan la mayor parte de la financiación, como a la Academia de Bellas Artes, creada por el gobierno.

Pero ¿qué distingue a la fiesta galante de otras escenas de la vida aristocrática? El tema de la pasión romántica en entornos bucólicos proporciona un pretexto para la audacia y la originalidad en la composición de la obra. Los artistas juegan con la modernidad de la vestimenta, integrándola en la atemporalidad del entorno. Las obras de Watteau ilustran la moda de su época. Los historiadores del arte llamarían posteriormente a los pliegues de la espalda de los vestidos de estilo francés de este período "pliegues Watteau", siguiendo sus precisas descripciones. Estas prendas simbolizan el alto estatus de los protagonistas. Esto permite a los aristócratas reconocerse en estas escenas relajadas y refinadas.

También notamos un fuerte énfasis en la teatralidad y el doble sentido. La galantería está adornada con sofisticados códigos específicos de la aristocracia. Estos códigos determinan quién pertenece a la alta sociedad y quién está excluido, incluso cuando la burguesía comienza a tener los medios para mimetizarse con la nobleza. Ser un galante es saber cómo agradar en sociedad a través del porte, los modales y el ingenio. Todo es un pretexto para la galantería, desde el movimiento de un abanico hasta la colocación de un lunar en el rostro de una joven. Los códigos están inscritos en objetos cotidianos, desde los abanicos hasta los busks (tiras de madera insertadas en la parte delantera de los corpiños para mantener su rigidez) de los corsés de ballena. Esto conduce a una educación muy diversa entre la juventud aristocrática, pero que sigue siendo superficial. Esta educación influirá fuertemente en el dandiismo del siglo XIX

No todas estas celebraciones se celebran en interiores. Sería inapropiado ser demasiado atrevido en un salón o en un baile. Es durante los paseos al aire libre, lejos de las obligaciones de la etiqueta, que el amor puede ser más atrevido

La Pastoral, o Amarnos al Aire Libre

Intentar conectar con la naturaleza es una forma de demostrar erudición y conocimiento de de Jean-Jacques Rousseau (1712-1778). Según Rousseau, la humanidad es inherentemente buena, y es la sociedad la que la corrompe. Por ello, quienes pertenecen a la sociedad más cerca de la naturaleza son considerados respetables. Esto conduce a una visión sentimental de la vida campesina, que se percibe como más pura. Representar pastores brinda la oportunidad de expresar el peso del destino y las emociones en personas consideradas "simples" e "inocentes". De hecho, la aristocracia, demasiado alejada de la naturaleza, es criticada por vanidad y lujuria en lugar de por aceptar el destino.

 Esta idea no es nueva; el género pastoril se popularizó en la literatura ya en el siglo III a. C. gracias a Virgilio en las Bucólicas, pero cobró un gran impulso durante el Renacimiento italiano. En Francia, fue Honoré d'Urfé (1607-1628) quien lo impulsó al primer plano con su novela L'Astrée en 1607. La novela describe las aventuras de jóvenes cuyos nobles antepasados ​​decidieron escapar de las guerras y vivir en aldeas a orillas del río Lignon.

Detalle de una escena galante sobre una antigua jardinera de porcelana y bronce dorado

El tema de  la Pastoral en las artes visuales, en sentido estricto, surgió con la decoración del Hôtel de Soubise en París, obra de François Boucher, entre 1737 y 1738. Concibió escenas de una juventud despreocupada y alegre dentro de una imagen idealizada de la vida campesina. Los pastores y las pastoras, vestidos como señores y con los pies descalzos siempre ensuciados, cuidan rebaños que requieren pocos cuidados. Parecen completamente ajenos a las duras condiciones de la vida rural.

Al rodearse de obras que representan esta sociedad ideal —educada pero cercana a la naturaleza—, uno se apropia de sus virtudes. Transponer una escena romántica a un paisaje bucólico es una forma de asegurar la solidez de los sentimientos expresados.

Esta glorificación de la vida rural alcanzó su máximo esplendor con María Antonieta . Encargó a Richard Mique la creación de una aldea rural para ella, con cabañas de paja y una granja en funcionamiento, en las afueras del Trianón. Incluía un granero, una lechería, un establo, una pocilga y un gallinero. La leyenda cuenta que "jugaba a ser pastora", lo cual no es del todo cierto, ya que utilizaba la zona principalmente para pasear. Sin embargo, estas estructuras demuestran el gran atractivo que el mundo rural y sus actividades ejercían para la sociedad aristocrática.

La imagen de un estilo de vida rococó

Tras la muerte de Luis XIV, Francia anhelaba un estilo de vida más despreocupado. Regida por una estricta etiqueta y envuelta en numerosas guerras, la nobleza obtuvo mayor libertad durante la Regencia (1715-1723) y la moral se relajó. Fue gracias al patrocinio de Madame de Pompadour se definió arte rococó . La paleta de colores se iluminó, ofreciendo tonos rosa, azul y rubio que reflejaban la alegría de vivir de la corte. El rosa, en particular, el color de la flor de la diosa Venus, cobró prominencia, ya que la marquesa lo lució en Versalles. El rococó se convirtió en un estilo de vida basado en el refinado placer de los sentidos y la satisfacción estética.

Con esto en mente, se extendió a todo tipo de medios. La manufactura de Sèvres (manufactura real desde 1759) utilizó los grabados y temas de François Boucher, protegido de Madame de Pompadour, para sus creaciones de porcelana. La tez pálida de las jóvenes realzaba la blancura de la porcelana. Entre 1778 y 1797, aparecieron numerosos temas pastorales en porcelana biscuit, pequeñas figuritas sin esmaltar utilizadas como decoración de mesa. Esto brindó la oportunidad de estimular la imaginación de los espectadores y suscitar conversaciones entre los invitados. Se apreciaba tanto la riqueza de la decoración de los anfitriones como su capacidad para ver más allá de las escenas aparentemente inocentes.

 Cuenco de porcelana azul, estilo Sèvres, siglo XIX

No nos engañemos, el cortejo en el campo no se reserva únicamente para el amor verdadero. La segunda mitad del siglo XVIII presenció el auge del concepto de libertinaje . El término ya existía en el siglo XVII, pero representaba principalmente la libertad de pensamiento y cierta volubilidad en los sentimientos románticos. A partir del reinado de Luis XV , rey conocido por su estilo de vida bon vivant y su afición al placer, se convirtió en sinónimo de la búsqueda de placeres carnales. Esto dio lugar a una doble moral en las obras literarias, alternando entre escenas aparentemente castas y connotaciones sexuales explícitas.

Los pastores tocando la flauta pueden representar la facilidad de enamorarse en un ambiente musical rodeado de una naturaleza armoniosa, así como un acto sexual en la sociedad del siglo XVIII. El intercambio de miradas a veces da paso a gestos explícitos o atuendos reveladores, como es el caso de la escena de caza en porcelana biscuit con una pareja galante de nuestra colección.

El fin de la fiesta, la llegada del Neoclasicismo

Esta depravación percibida de la aristocracia no sentó bien a todos, y para 1750, comenzó a surgir un movimiento en oposición al arte rococó: el neoclasicismo . Las escenas pastorales continuaron existiendo, pero adquirieron un tono más virtuoso. Atrás quedaron los amantes abrazados; las representaciones se centraron en los valores nobles de trabajar la tierra. Todo lo que quedó de las festividades rococó fue el escenario de una Arcadia , una imagen de la antigua Roma. Jean-Honoré Fragonard (1732-1806), un virtuoso del amor bucólico, sería el más afectado por este cambio de gusto. Su serie de pinturas para el Château de Louveciennes, encargada por Madame du Barry , otra amante de Luis XV, que representaban las etapas del compromiso romántico, le fue devuelta. En su lugar, el mecenas colgó lienzos de Joseph Marie Vien (1716-1809), cuyo estilo era mucho más neoclásico.

Reloj de los Pastores Arcadios, siglo XIX, detalle

En la década de 1780, se produjo un rechazo total del estilo rococó, considerado demasiado frívolo y decadente. La pintura histórica moralizante recuperó protagonismo frente a las escenas de género. La paleta de colores se oscureció y el rosa se abandonó en favor del rojo, considerado más serio. Tras los descubrimientos arqueológicos de Pompeya y Herculano, surgió el deseo de volver a los orígenes del arte.