Las fiestas galantes en la época de Luis XV

Seguramente las has visto antes, en porcelana, lienzo o incluso tapiz: estas encantadoras parejas cortejándose en el campo. Pero ¿quiénes son? ¿Por qué están sentadas en el suelo con atuendos tan elegantes? Cansadas de la formalidad del arte barroco del período anterior, amaneció una nueva era de desenfado. La corte abandonó Versalles para instalarse en París, un lugar propicio para una mayor libertad y alegría de vivir, que fomentaba el romance. Repasemos la Francia del siglo XVIII, una época en la que la vida se veía de color de rosa.

Las fiestas galantes en el arte mayor

En el siglo XVII, la pintura de género, una gran tradición veneciana y flamenca, se consideraba menor. Se la veía simplemente como escenas anecdóticas de la vida cotidiana, que no atraían a la Academia. Las escenas de amor , La peregrinación a la isla de Citera, deAntoine Watteau que las cosas empezaron a cambiar. La Academia, reconociendo su talento, se negó a relegarlo a un género menor y decidió crear el género de la fête galante.

El objetivo es retratar un momento de ocio social entre la aristocracia en un pastoral. A esto se suma un fuerte componente de seducción. Antoine Watteau ya no se limita a representar la vida cotidiana, sino que plasma una ligereza que atrae tanto a particulares, quienes aportan la mayor parte de la financiación, como a la Academia de Bellas Artes designada por el gobierno.

Pero, ¿qué distingue la fête galante de otras escenas de la vida aristocrática? El tema de la pasión romántica en entornos bucólicos ofrece un pretexto para la audacia y la originalidad en la composición de la obra. Los artistas juegan con la modernidad de la vestimenta, integrándola a la vez en la atemporalidad del escenario. Las obras de Watteau ilustran la moda de su época. Los historiadores del arte denominarían más tarde a los pliegues en la espalda de los vestidos de estilo francés de este período «pliegues de Watteau», siguiendo sus precisas descripciones. Estas prendas denotan el elevado estatus de los protagonistas. Esto permite a los aristócratas reconocerse en estas escenas de ocio y refinamiento.

También observamos un fuerte énfasis en la teatralidad y el doble sentido. La galantería se adorna con sofisticados códigos propios de la aristocracia. Estos códigos determinan quién pertenece a la alta sociedad y quién queda excluido, incluso cuando la burguesía comienza a tener los medios para integrarse con la nobleza. Ser un galante implica saber cómo agradar en sociedad mediante el porte, los modales y el ingenio. Todo es un pretexto para la galantería, desde el movimiento de un abanico hasta la colocación de un lunar en el rostro de una joven. Los códigos están inscritos en objetos cotidianos, desde abanicos hasta las ballenas (tiras de madera insertadas en la parte delantera de los corpiños para mantener su rigidez) de los corsés de ballena. Esto da lugar a una educación muy diversa entre la juventud aristocrática, pero que sigue siendo superficial. Esta educación influirá notablemente en el dandismo del siglo XIX

No todas estas celebraciones se celebran en interiores. Sería inapropiado ser demasiado atrevido en un salón o en un baile. Es durante los paseos al aire libre, lejos de las obligaciones de la etiqueta, que el amor puede ser más atrevido

La Pastoral, o Amarnos al Aire Libre

Intentar conectar con la naturaleza es una forma de demostrar erudición y conocimiento de de Jean-Jacques Rousseau (1712-1778). Según Rousseau, la humanidad es inherentemente buena, y es la sociedad la que la corrompe. Por lo tanto, quienes viven en una sociedad más cercana a la naturaleza son considerados respetables. Esto conduce a una visión sentimentalizada de la vida campesina, vista como más pura. La representación de los pastores brinda la oportunidad de expresar el peso del destino y las emociones sobre las personas consideradas "sencillas" e "inocentes". De hecho, la aristocracia, demasiado alejada de la naturaleza, es criticada por vanidad y lujuria, más que por aceptar el destino.

 Esta idea no es nueva; el género pastoril se popularizó en la literatura ya en el siglo III a. C. gracias a Virgilio en sus Bucólicas, pero alcanzó su máximo apogeo durante el Renacimiento italiano. En Francia, fue Honoré d'Urfé (1607-1628) quien lo impulsó con su novela L'Astrée en 1607. La novela narra las aventuras de jóvenes cuyos nobles antepasados ​​optaron por huir de las guerras y vivir en aldeas a orillas del río Lignon.

Detalle de una escena galante sobre una antigua jardinera de porcelana y bronce dorado

El tema de la pastoral en las artes visuales, en sentido estricto, surgió con la decoración del Hôtel de Soubise en París, obra de François Boucher, entre 1737 y 1738. Boucher plasmó escenas de juventud despreocupada y alegre dentro de una imagen idealizada de la vida campesina. Los pastores y pastoras, vestidos como señores y con los pies siempre descalzos, cuidan rebaños que requieren pocos cuidados. Parecen completamente ajenos a las duras condiciones de la vida rural. 

Al rodearse de obras que representan esta sociedad ideal —educada pero cercana a la naturaleza—, uno se apropia de sus virtudes. Transponer una escena romántica a un paisaje bucólico es una forma de asegurar la solidez de los sentimientos expresados.

Esta glorificación de la vida rural alcanzó su apogeo con María Antonieta. Ella encargó a Richard Mique la creación de un pueblo rural, con casas de campo con techos de paja y una granja en funcionamiento, en las afueras del Trianón. Incluía un granero, una lechería, un establo, una pocilga y un gallinero. Cuenta la leyenda que "jugaba a ser pastora", lo cual no es del todo exacto, ya que principalmente utilizaba la zona para pasear. Sin embargo, estas construcciones demuestran el gran atractivo que el mundo rural y sus actividades ejercían sobre la sociedad aristocrática.

La imagen de un estilo de vida Rococo

Tras la muerte de Luis XIV, Francia anhelaba un estilo de vida más despreocupado. Gobernado por una estricta etiqueta y sumido en numerosas guerras, la nobleza obtuvo mayor libertad durante la Regencia (1715-1723), y la moral se relajó. Fue gracias al mecenazgo de Madame de Pompadourse definió arte rococo. La paleta de colores se amplió, ofreciendo tonalidades de rosa, azul y rubio para reflejar la alegría de vivir de la corte. El rosa, en particular, color de la flor de la diosa Venus, cobró protagonismo, ya que la marquesa lo lució en Versalles. El rococó rococo una forma de vida basada en el refinado placer de los sentidos y la satisfacción estética.

Con esto en mente, se extendió a todo tipo de medios. La manufactura de Sèvres (manufactura real desde 1759) utilizó los grabados y motivos de François Boucher, protegido de Madame de Pompadour, para sus creaciones de porcelana. La tez pálida de las jóvenes realzaba la blancura de la propia porcelana. Entre 1778 y 1797, apareció un gran número de temas pastorales en porcelana sin esmaltar, pequeñas figuritas que servían de adorno de mesa. Esto brindaba la oportunidad de estimular la imaginación de los espectadores y propiciar conversaciones entre los invitados. Se apreciaba tanto la riqueza de la decoración del anfitrión como su capacidad para ver más allá de las escenas aparentemente inocentes.

 Cuenco de porcelana azul, estilo Sèvres, siglo XIX

Porque no nos equivoquemos, el cortejo en el campo no está reservado únicamente para el amor verdadero. La segunda mitad del siglo XVIII vio el auge del concepto de libertinaje. El término ya existía en el siglo XVII, pero representaba principalmente la libertad de pensamiento y cierta inconstancia en los sentimientos románticos. Desde el reinado de Luis XV, un rey conocido por su estilo de vida de bon vivant y su afición al placer, se convirtió en sinónimo de la búsqueda de los placeres carnales. Esto dio lugar a un doble rasero en las obras literarias, alternando entre escenas aparentemente castas y connotaciones sexuales explícitas.

Los pastores tocando la flauta pueden representar la facilidad de enamorarse en un ambiente musical rodeado de una naturaleza armoniosa, así como un acto sexual en la sociedad del siglo XVIII. El intercambio de miradas a veces da paso a gestos explícitos o atuendos reveladores, como es el caso de la escena de caza en porcelana biscuit con una pareja galante de nuestra colección.

El fin de la fiesta, la llegada del Neoclasicismo

Esta supuesta depravación de la aristocracia no fue del agrado de todos, y hacia 1750, comenzó a surgir un movimiento en oposición al arte rococó: el neoclasicismo. Las escenas pastorales continuaron existiendo, pero adquirieron un tono más virtuoso. Desaparecieron los amantes abrazados; las representaciones se centraron en los valores nobles del trabajo de la tierra. De las festividades rococó solo quedó la ambientación de una Arcadia , una imagen de la antigua Roma. Jean-Honoré Fragonard (1732-1806), virtuoso del amor bucólico, sería quien sufriría las consecuencias de este cambio de gusto. Su serie de pinturas para el Castillo de Louveciennes, encargada por Madame du Barry, otra amante de Luis XV, que representaban las etapas del compromiso romántico, le fue devuelta. En su lugar, el mecenas colgó lienzos de Joseph Marie Vien (1716-1809), cuyo estilo era mucho más neoclásico.

Reloj de los Pastores Arcadios, siglo XIX, detalle

En la década de 1780, se produjo un rechazo total del estilo rococó, considerado demasiado frívolo y decadente. La pintura histórica moralizante recuperó protagonismo frente a las escenas de género. La paleta de colores se oscureció y el rosa se abandonó en favor del rojo, considerado más serio. Tras los descubrimientos arqueológicos de Pompeya y Herculano, surgió el deseo de volver a los orígenes del arte.