Art Déco, la modernidad de los locos años veinte

¿Quién no ha soñado con disfrutar de una copa en un sublime art déco , como si viviera en El Gran Gatsby? Considerado a menudo la estética emblemática de los locos años veinte , el art déco es un movimiento artístico rico, tanto por la diversidad de sus formas como por la calidad de sus creaciones. Representa la huida de una juventud despreocupada que busca reconstruirse tras una guerra devastadora. Pero ¿cómo surgió este estilo, tan característico de una época?

¿Cómo surgió el Art Déco?

Es "toda la tensión nerviosa acumulada y no gastada durante la guerra", dijo Scott Fitzgerald en Jazz Age en 1931.

Sin embargo, los inicios de este estilo aparecieron ya en la década de 1910. Si bien el Art Nouveau seguía en auge, sus curvas vegetales no siempre fueron apreciadas. Sus detractores las consideraban indecentes y ridículas, llamándolas "estilo fideos". Buscaban una mayor simplicidad de líneas y formas más sobrias. Se trataba de una especie de retorno al orden, ya evidente en los diseños alemanes y vieneses. También surgió de una conmoción estética con los Ballets Rusos de Sergei Diaghilev mil y una noches, compuesta por danzas, música y pinturas en 1909. El resurgimiento de Oriente como fuente principal de inspiración se observó tanto en las creaciones artísticas como en la alta sociedad parisina. El renombrado Paul Poiret organizó una gran fiesta de disfraces en su casa llamada Las mil y dos noches, a la que fueron invitados numerosos artistas. Una nueva era comenzaba. Desafortunadamente, la Primera Guerra Mundial estalló en 1914, interrumpiendo el impulso de todas estas nuevas reflexiones.

Ejemplo de un escritorio Art Nouveau

Fue al regresar del campo de batalla que el Art Déco floreció. Estos fueron los locos años veinte , una época en la que los jóvenes se lanzaron de cabeza a la búsqueda interminable de placer para olvidar los horrores de las trincheras. Buscaban fantasía y diversión. Esto llevó a la creación del Nuevo Estilo, el estilo moderno, o Zig Zag Moderno, como se le llamó. Fue en París donde ganó prominencia. En la capital de las delicias, se celebró la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas Esta importante feria comercial contó con la participación de 21 países y fue visitada por más de 16 millones de personas. En ocho meses, revolucionó la arquitectura y las artes decorativas en todo el mundo. Este estilo se encontró en hoteles, bares, transatlánticos y cines: lugares lujosos y cómodos frecuentados por la juventud de la 1920. La rápida propagación de esta estética, facilitada por el desarrollo de las tecnologías de la comunicación, también se vio impulsada por la afluencia de estadounidenses que vinieron a aprovechar la devaluación del franco francés. Derivados del mismo se pueden encontrar desde Brasil hasta Japón y especialmente en Estados Unidos, que se convertiría en la cuna del estilo Streamline .

La reconstrucción era necesaria. Se construyó una nueva arquitectura cúbica con diseños geométricos novedosos, orientados hacia la modernidad . De los edificios, los motivos y las ideas se extendieron a las artes decorativas. El objetivo era representar la modernidad en movimiento y el escapismo mediante elecciones nuevas, a veces provocativas. Hubo consenso en simplificar las líneas, pero esto no empobreció las creaciones. La inspiración provino de todas las regiones del mundo: Japón, China, el Lejano Oriente y África. Se exploraron nuevos materiales exóticos y aquellos resultantes de los avances tecnológicos. Los locos años veinte aportaron innovaciones que revolucionarían el panorama decorativo.

Decoraciones y adornos

En las décadas de 1920 y 1930, surgió un nuevo concepto: el de los artistas decorativos que creaban muebles únicos adaptados al gusto de los jóvenes. Entre ellos se encontraban figuras de renombre como Ruhlmann , Jules Leleu , Paul Iribe, Maurice Dufrêne y Charles Dudouyt , cuyas obras están representadas en nuestra colección. Libres de restricciones, pudieron explorar libremente nuevas formas que definieron los locos años veinte, manteniéndose fieles a las formas del pasado. El objetivo era modernizar la tradición. El Art Déco representó una especie de retorno al orden, una tendencia que se intensificó con la crisis de 1929 y la depresión económica mundial de la década de 1930.

Aparador al estilo de Jules Leleu :

Los temas son muy eclécticos y diversos, y sólo podemos cubrir una parte superficial pero esencial de ellos.

El cambio más obvio es, sin duda, el rechazo de las líneas sinuosas del Art Nouveau . Hubo un cambio hacia una imaginería más suave y lírica. Este enfoque de la simplificación surgió inicialmente del sobrio neoclasicismo antes de recurrir al arte de la vanguardia: el cubismo , el orfismo y el expresionismo alemán, aunque estos no siempre fueron claramente distintos, todos los cuales ofrecieron un nuevo lenguaje pictórico. Fue una evolución hacia la geometría , considerada la esencia del moderno y mecanizado. Las formas eran puras: círculos, cuadrados y líneas rectas; bordes biselados y motivos fragmentados. La naturaleza misma perdió su salvajismo, con formas sintetizadas reducidas a su esencia. La rosa se convirtió en un motivo aplanado, extremadamente geométrico. El Art Decó buscó domesticar la naturaleza doblándola a la estética de la época. Esta es una prueba del dominio del hombre moderno, que subyugó la naturaleza a través del progreso intelectual y tecnológico.

Escultura de bronce "Dos gaviotas en una ola" de Enrique Molins

También buscamos representar la velocidad y el movimiento de la era completamente moderna . El automóvil apareció en las calles de París, los transatlánticos permitieron travesías oceánicas cada vez más rápidas y el sueño de la aviación se afianzó. Estos principios se aplicaron a la decoración. La pantera se convirtió en una elegante evocación de la fluidez y la energía vivaz de la época. Aquí se encuentra una pieza en bronce de " Dos gaviotas en una ola Enrique Molins que demuestra claramente este deseo de utilizar el reino animal para evocar la velocidad y los proyectos tecnológicos. El rápido descenso de las aves hacia el océano alude a las exhibiciones acrobáticas que cautivaron al público.

Escultura de alabastro "La Samaritaine", Art Déco

Las mujeres también asumieron un papel cada vez más importante. Esta fue la emancipación femenina representada por la flapper y esbelta se inspiró en diseñadores de moda como Gabrielle Chanel y Paul Poiret . En el arte, las mujeres se reflejaron en sus atuendos contemporáneos, largos y elegantes. Son visibles en las pinturas de Tamara de Lempicka o en esculturas como figuras danzantes acompañadas de velos que giran sobre sí mismas. También ocuparon el lugar de la diosa en la antigüedad, con los mismos cánones de belleza estilizados y alargados, casi manieristas. La figura de la mujer samaritana fue particularmente prominente, y muchos restaurantes llevaron su nombre.

Finalmente, existía cierta fascinación por las civilizaciones antiguas, impulsada por los numerosos descubrimientos arqueológicos en Mesopotamia, Mesoamérica y, especialmente, Egipto. la tumba de Tutankamón por Howard Carter de estilo egipcio los diseños art déco . Sin embargo, se utilizaron principalmente temas genéricos como lotos, escarabajos y jeroglíficos.

Materiales del mundo moderno

La Exposición Colonial de París reintrodujo el arte africano al público francés. Los motivos abstractos y las paletas de colores oscuros, como el negro y el marrón, fueron particularmente memorables. Pero, sobre todo, reveló un cierto gusto por los materiales, especialmente maderas exóticas como el ébano de Macassar y el palo rosa, importadas de lejos. Estas eran valoradas por sus cualidades estéticas inherentes; el material en sí mismo se convirtió en un adorno. Esto justificó el uso de numerosas chapas e incrustaciones de marfil, nácar, espejos y pescado . Se trataba de materiales de lujo, a veces extremadamente caros. Fue una exhibición extravagante de lujo sin concesiones.

La iluminación adquiere mayor importancia para realzar los espacios y simbolizar el progreso. La electricidad está presente en todas partes, desde grandes salones y restaurantes hasta la comodidad del propio dormitorio, con el desarrollo de numerosas lámparas de mesa que yuxtaponen cromo y madera. El progreso tecnológico se materializa mediante nuevas técnicas. A principios de la década de 1920 . Esto refleja modernos , optimistas y vanguardistas. En las lámparas de araña, el vidrio captura el movimiento de una fuente congelada, evocando el dinamismo del mundo moderno.

Alrededor de la década de 1930 , Estados Unidos tomó el control y el estilo evolucionó hacia una mayor simplicidad, sin ornamentación. Esto le permitió adaptarse a la producción en masa del Art Déco. El Art Déco se volvió asequible para satisfacer las necesidades de la Gran Depresión. Esto facilitó su distribución a gran escala, llevando la estética a todos los hogares, incluso a los más modestos. Para satisfacer la demanda del consumidor, se incorporaron materiales previamente desconocidos para el público, como el plástico y el aluminio. El Art Déco caracteriza a la América moderna en su aceptación del consumismo y el individualismo desenfrenado. La estética alcanzó su apogeo en la Feria Mundial de Nueva York de .

Conclusión

Tras la Segunda Guerra Mundial, el Art Déco decayó. Fue ampliamente criticado por un movimiento paralelo, el Modernismo . Aunque se originó en la misma exposición de 1925, evolucionó de forma diferente. Liderados por Le Corbusier , los diseñadores modernistas consideraban que la ostentación del lujo ya no era de buen gusto. La posguerra fue una época de austeridad marcada por el racionalismo y el funcionalismo. La ornamentación se consideraba innecesaria y "debía considerarse sospechosa", según el crítico modernista Herbert Read. Este historiador del arte llegó incluso a afirmar que el Art Déco debía ser borrado de la historia del arte.

Afortunadamente, los anticuarios de la década de 1960 no estaban de acuerdo. Rechazados por las instituciones culturales, fueron los comerciantes de arte quienes rescataron los muebles Art Déco, considerados anticuados y carentes de valor histórico. Sus esfuerzos dieron sus frutos, ya que la primera retrospectiva, titulada " Estilo 1925 Union Centrale des Arts Décoratifs . Esto marcó el inicio de un reconocimiento generalizado. El término Art Déco se popularizó en la década de 1970. El gusto por este estilo creció rápidamente en la década de 1980, llegando a un público más amplio con el estreno de la película El Gran Gatsby, protagonizada por Leonardo DiCaprio, en 2013.

El Art Déco tiene pues un futuro brillante por delante, ya sea en las tiendas de decoración que producen copias, pero sobre todo para los originales que conservan en sí la huella de la efervescencia de los locos años veinte .

Bibliografía

  - Historias del Art Déco, José Álvarez, 2010

  - El estilo Art Déco, Ghislaine Wood, 2003

  - Art Déco, 1910-1939, Tim Benton, 2003