El estilo de la Restauración (1815-1830)

Tras la derrota de Napoleón en Waterloo el 18 de junio de 1815, el poder en Francia fue asumido por los dos hermanos de Luis XVI: el conde de Provenza, que reinaría con el nombre de Luis XVIII (1815-1823), y luego el conde de Artois, conocido como Carlos X, que gobernaría hasta 1830, cuando fue derrocado por la Revolución de Julio y reemplazado por un nuevo rey, Luis Felipe I (1830-1848).

 

Este periodo, conocido como la Restauración (1815-1830), surgió inicialmente como una reacción contra el boato y la ostentación del Imperio. Aportó una elegancia y un refinamiento al mobiliario y la decoración que el gusto de Napoleón por la grandeza y el esplendor había, en cierto modo, eclipsado. Sin embargo, durante la Restauración, ya no eran los encargos de la familia real ni los de los aristócratas adinerados los que dictaban el estilo. La moda se adaptó entonces a las necesidades y los gustos de la nueva sociedad burguesa, que alquilaba apartamentos más o menos lujosos en París, adecuados para la vida familiar.

Cama Restauración y su Cama con Dosel

Los muebles de estilo Regencia , especialmente las cómodas, se importaban de Inglaterra. La caoba, considerada demasiado pesada, fue sustituida por maderas más ligeras. Los muebles imponentes, adornados con bronce, dieron paso a piezas más pequeñas, finamente talladas o incrustadas. Al igual que durante la Regencia un siglo antes, se abandonaron los vastos salones de los palacios oficiales en favor del redescubrimiento del encanto de la intimidad de los pequeños salones y tocadores.

Pero este cambio de estilo no puso en entredicho ciertos elementos esenciales de la decoración, que seguían profundamente inspirados en la época anterior. Así, la Restauración continuó la tradición neoclásica que tanto apreciaba Napoleón I y la elevó a un grado de refinamiento sin precedentes.

Al mismo tiempo, el Romanticismo buscó su inspiración en una Edad Media que mezclaba la ornamentación decorativa clásica con rosetones, guirnaldas y ojivas de las catedrales góticas, en boga bajo el reinado de Carlos X.

Jarrón con decoración gótica de Jean-Baptiste Desvignes

Mobiliario, materiales y técnicas

El mobiliario de estilo Restauración irradia una elegante armonía: es grácil, cómodo, ligero y fácil de manejar. Generalmente, conserva las formas sencillas y suavemente curvadas del estilo Imperio. Sin embargo, la estructura se suaviza, las dimensiones se reducen para adaptarse a interiores más pequeños y las curvas aparecen cada vez con mayor frecuencia en forma de volutas, arabescos, reposabrazos ornamentados y patas en forma de sable.

Cama en alcoba del período de restauración

se compone El mobiliario del período de la Restauración de piezas consideradas esenciales: cómodas para facilitar el almacenamiento, grandes mesas redondas para el comedor, escritorios planos o secreteres, armarios y, a veces, tocadores en el dormitorio.

En el salón, la chaise longue, popularizada durante el Imperio, sigue en uso. Mesitas y con pedestal y tablero de mármol se ubican cerca de diversos tipos de asientos cómodos, incluyendo sillones tipo góndola. Las sillas reflejan este estilo, con respaldos tallados con tracería gótica, flanqueados por montantes que terminan en pináculos inspirados en las agujas de piedra de las catedrales. A los elementos estilísticos de los monumentos y muebles medievales se les añaden a veces motivos renacentistas.

Los artesanos de esta época emplearon las técnicas de enchapado de madera, madera maciza e incrustaciones con igual habilidad.

El mobiliario de la época de la restauración se caracteriza por el uso de maderas claras (olmo, fresno, haya moteada, sicomoro, arce ámbar, limonero, naranjo) con incrustaciones de maderas oscuras (caoba, palo de rosa y amaranto). Con menos frecuencia, y principalmente durante el reinado de Carlos X, se utilizan maderas oscuras con incrustaciones de maderas claras, en particular sicomoro o limonero.

Los motivos incrustados creados por los carpinteros y ebanistas de este periodo son de una calidad y delicadeza excepcionales. Las decoraciones de filetes, rosetas, palmetas estilizadas, ramas floridas y volutas están ejecutadas con exquisita precisión, semejantes a la orfebrería tradicional. Cumplen la misma función decorativa que los bronces dorados que adornan el mobiliario del Imperio, que también sirvieron de inspiración.

 

Ornamentación 

La ornamentación, ligera y muy refinada, realza la estructura del mobiliario. Las molduras, abandonadas durante el Imperio, reaparecen con delicadeza en consolas, secreteres, mesas y piezas imponentes como las librerías.

Algunos motivos decorativos del estilo Imperio se conservan, pero de forma simplificada. Entre los más frecuentes se encuentran la palmeta —más redonda, pequeña y estilizada—, la cornucopia, la lira, el cisne, la estrella y los delfines. Con menor frecuencia, se encuentran quimeras, grifos y caballitos de mar. Sin embargo, los motivos de la Restauración difieren de los del Imperio en su ejecución, que es mucho más ligera y menos solemne que en el período anterior.

incluyen Los motivos clásicospatrones de huevos y dardos, filas de perlas, volutas de follaje, gallones, pequeñas flores en guirnaldas o ramos, cintas y coronas de flores.

Consola de época de restauración decorada con patas de león y palmetas (detalles)

Además de los alegóricos y antiguos (Cupidos, Psique, Adonis, columnas, monedas, cornisas rectas) heredados de la época anterior, los motivos góticos impregnaron muebles y objetos, constituyendo la novedad de este periodo. Objetos cotidianos, desde los más modestos hasta los más lujosos, conocidos como «catedral» o «trovador», como jarrones, relojes, candelabros, tinteros, frascos y cofres, se adornaron con detalles inspirados en marcos de ventanas, rosetones, arbotantes, arcadas, guirnaldas, dentículos y pináculos de piedra. Bajo el reinado de Carlos X, el gusto «gótico» fue la primera reacción contra el omnipresente estilo antiguo definido por Percier y Fontaine a principios del siglo XIX.

La cristalería de la restauración  

Un sector que vivió una época dorada a mediados de la década de 1820 fue el de la fabricación de vidrio. Se atribuye al reinado de Carlos X la producción del cristal tallado más fino y suntuoso. De hecho, los años 1815-1830 representan una verdadera edad de oro del vidrio en Francia , cuya fama fue internacional gracias a las excepcionales producciones de las fábricas de cristal Baccarat, Creusot, Choisy-le-Roi y Bercy.

Los objetos de cristal moldeado o tallado con diamante , que destacan por su calidad, están engastados en plata o bronce dorado, finamente cincelados con delfines, cisnes o cornucopias. A menudo, cabezas de carnero o serpientes enroscadas forman los mangos.

Joyero de cristal tallado con montura de bronce, época de Carlos X

Después de 1814, las formas, que ya no estaban dictadas por la Corte y, por lo tanto, ya no obedecían a un programa estético preciso, se inspiraron en las clases recién enriquecidas que impusieron su gusto en objetos de moda como los cristales de color opalino.

El vidrioopalino se utiliza para fabricar cajas, botellas y jarrones. Hacia 1820, los avances tecnológicos en la industria del vidrio marcaron un punto de inflexión en la historia del vidrio opalino, dando lugar a la aparición de nuevas formas y decoraciones. Fue durante este período cuando surgieron los jarrones con forma de corneta, botellas redondas con tapones de bola, cuencos, bomboneras, vinotecas perfumadas y otros objetos novedosos. Los soportes de bronce estaban finamente cincelados con motivos comunes a la mayoría de los períodos de la Restauración y el Imperio, como delfines, cisnes, palomas o aves bebiendo.

Par de jarrones de opalina con decoración Desvignes

En este contexto, Jean-Baptiste Desvignes (1786-1826), pintor y dorador especializado en vidrio, cristal y porcelana, encontró la manera de pintar sobre vidrio opalino. Empleaba pan de oro o plata y pigmentos exclusivamente vegetales, que adhería al cristal opalino. Los tonos mate se limitaban al azul oscuro y al rojo. El dorado predominaba, manifestándose en forma de delicados motivos de colores claros, como palmetas, floretes y guirnaldas. En algunos cofres y copas, Desvignes aplicó decoraciones góticas. También creó pequeñas escenas ilustrativas inspiradas en las fábulas de La Fontaine, en delicados tonos apagados de azul, verde suave, ocre y malva, con toques de oro o plata.

Las botellas de vidrio superpuesto también gozaron de gran éxito durante el reinado de Carlos X. Esta técnica decorativa consiste en superponer una capa de esmalte blanco o de color sobre el cristal. Fue descubierta por el inglés Joseph Prince de Durham, quien registró su patente en 1814. Formada por dos capas de vidrio, ya sea semicristalino o cristal de diferentes colores, la decoración se crea mediante dos métodos distintos, correspondientes a una superposición interna o externa. En la mayoría de los casos, la capa externa es de esmalte blanco o de color. La superposición requiere decoración mediante tallado. Al revelar la capa interna, el tallador comienza a tallar la capa externa y crea diversos diseños como marcas de pontil, nervaduras huecas, patrones de tablero de ajedrez, estrellas o cordones. Francia adoptó rápidamente esta técnica. A partir de 1828, la fábrica de cristal de Bercy produjo vidrio opalino superpuesto, seguida tiempo después por la fábrica de Choisy-le-Roi. Alrededor de 1839, Baccarat comenzó a producir piezas de doble capa. En 1844, Saint-Louis también produjo objetos de doble capa e incluso de triple capa.

Servicio de licor de cristal, época de Carlos X

Los cristales opalinos y los cristales de la época de la Restauración siguen siendo incomparables por la simplicidad y pureza de sus formas, la delicadeza de sus matices y la finura de su cincelado, cada vez más raro después de la época de Carlos X.