El estilo de la Restauración (1815-1830)

Tras la derrota de Napoleón en Waterloo el 18 de junio de 1815, el poder en Francia fue tomado por los dos hermanos de Luis XVI: el conde de Provenza, que reinaría bajo el nombre de Luis XVIII (1815-1823) , y luego el conde de Artois, conocido como Carlos X , que gobernaría hasta 1830, cuando fue derrocado por la Revolución de Julio y reemplazado por un nuevo rey, Luis Felipe I (1830-1848).

 

Este período, conocido como la Restauración (1815-1830), fue inicialmente una reacción contra la pompa y solemnidad del Imperio. Aportó una elegancia y un refinamiento al mobiliario y la decoración que el gusto de Napoleón por la grandeza y el esplendor había, en cierto modo, eclipsado. Sin embargo, bajo la Restauración, ya no fueron los encargos de la familia real ni los de los aristócratas adinerados los que dictaron el estilo. La moda se adaptó a las necesidades y gustos de la nueva sociedad burguesa , que alquilaba apartamentos más o menos lujosos en París, ideales para la vida familiar.

Cama Restauración y su Cama con Dosel

Los muebles de estilo Regencia , en particular las cómodas, se importaron de Inglaterra. La caoba, considerada demasiado pesada, fue sustituida por maderas más claras. Los imponentes muebles, adornados con bronce, dieron paso a piezas más pequeñas, finamente talladas o con incrustaciones. Al igual que durante la Regencia un siglo antes, los vastos salones de los palacios oficiales se abandonaron para redescubrir el encanto de la intimidad de los pequeños salones y tocadores.

Pero este cambio de estilo no puso en duda ciertos elementos esenciales de la decoración, que seguía profundamente inspirada en la época anterior. Así, la Restauración continuó la tradición neoclásica apreciada por Napoleón I y la llevó a un grado de refinamiento sin precedentes.

Al mismo tiempo, el Romanticismo buscó su inspiración en una Edad Media que mezclaba la ornamentación decorativa clásica con rosetas, festones y ojivas de las catedrales góticas, en boga bajo Carlos X.

Jarrón con decoración gótica de Jean-Baptiste Desvignes

Mobiliario, materiales y técnicas

Los muebles restaurados irradian una elegante armonía: son elegantes, cómodos, ligeros y fáciles de manejar. Generalmente, conservan las formas sencillas y suavemente curvadas del estilo Imperio. Sin embargo, la estructura se suaviza, las dimensiones se reducen para adaptarse a interiores más pequeños y las curvas aparecen cada vez más en forma de volutas, arabescos, apoyabrazos con volutas y patas de sable.

Cama en alcoba del período de restauración

Los muebles de época de la restauración se componen de piezas consideradas imprescindibles: cómodas para facilitar el almacenaje, grandes mesas redondas para el comedor, escritorios planos o secreteres, armarios y en ocasiones tocadores en el dormitorio.

En el salón, la chaise longue, popularizada durante el Imperio, sigue en uso. Mesitas y pedestales con tableros de mármol se colocan junto a diversos tipos de cómodos asientos, incluyendo sillones góndola . Las sillas reflejan este estilo, con respaldos tallados con tracería gótica, flanqueados por montantes que rematan en pináculos inspirados en las agujas de piedra de las catedrales. A los elementos estilísticos de los monumentos y muebles medievales se añaden en ocasiones motivos renacentistas.

Los artesanos de esta época emplearon las técnicas de enchapado de madera, madera maciza e incrustaciones con igual habilidad.

Los muebles restaurados se caracterizan por el uso de maderas claras (olmo, fresno, haya moteada, sicomoro, arce ámbar, limonero, naranjo) con incrustaciones de maderas oscuras (caoba, palo rosa y amaranto). Con menos frecuencia, y principalmente durante el reinado de Carlos X, se utilizan incrustaciones de maderas oscuras con maderas claras, en particular de sicomoro o limonero.

Los motivos incrustados creados por los carpinteros y ebanistas de este período son de una calidad y finura excepcionales. Las decoraciones de filetes, rosetas, palmetas estilizadas, ramas floridas y volutas están ejecutadas con exquisita precisión, asemejándose a la auténtica orfebrería. Cumplen la misma función decorativa que los bronces dorados que adornan los muebles del Imperio, que también sirvieron de fuente de inspiración.

 

Ornamentación 

La ornamentación, ligera y muy refinada, realza la estructura del mobiliario. Las molduras, abandonadas durante el Imperio, reaparecen con delicadeza en consolas, secreteres, mesas y piezas imponentes como las librerías.

algunos motivos decorativos del estilo Imperio , pero de forma simplificada. Entre los más utilizados se encuentran la palmeta —más redonda, pequeña y estilizada—, la cornucopia, la lira, el cisne, la estrella y los delfines. Con menos frecuencia, se encuentran quimeras, grifos y caballitos de mar. Sin embargo, los motivos de la Restauración difieren de los del Imperio en su ejecución, mucho más ligera y menos solemne que en el período anterior.

Los motivos clásicos incluyen patrones de huevos y dardos, filas de perlas, volutas de follaje, gallones, pequeñas flores en guirnaldas o ramos, cintas y coronas de flores.

Consola de época de restauración decorada con patas de león y palmetas (detalles)

Además de los alegóricos y antiguos (Cupidos, Psiques, Adonis, columnas, monedas, cornisas rectas) heredados de la época anterior, los motivos góticos impregnaron el mobiliario y los objetos, constituyendo la novedad de este período. Objetos cotidianos, desde los más modestos hasta los más lujosos, conocidos como «catedral» o «trovador», como jarrones, relojes, candelabros, tinteros, frascos y cofres, se adornaron con detalles inspirados en marcos de ventanas, rosetones, arbotantes, arcadas, festones, dentillas y pináculos de piedra. Bajo Carlos X, el gusto «gótico» fue la primera reacción contra el omnipresente estilo antiguo definido por Percier y Fontaine a principios del siglo XIX.

La cristalería de la restauración  

Un sector que vivió una época dorada a mediados de la década de 1820 fue la cristalería. Al reinado de Carlos X se le atribuye la producción del cristal tallado más fino y suntuoso. De hecho, los años 1815-1830 representan una verdadera época dorada del vidrio en Francia , cuyo renombre internacional se debió a las excepcionales producciones de las cristalerías Baccarat, Creusot, Choisy-le-Roi y Bercy.

Objetos de cristal moldeado o tallado con diamante , notables por su calidad, están montados en plata o bronce dorado, finamente cincelados con delfines, cisnes o cornucopias. A menudo, cabezas de carnero o serpientes enroscadas forman las asas.

Joyero de cristal tallado con montura de bronce, época de Carlos X

Después de 1814, las formas, ya no dictadas por la Corte y por tanto ya no obedecían a un programa estético preciso, se inspiraron en las clases recién enriquecidas que impusieron su gusto en objetos de moda como los vasos de color ópalo .

El vidrio opalino se utiliza para fabricar cajas, botellas y jarrones. Alrededor de 1820, los avances tecnológicos en la industria del vidrio marcaron un punto de inflexión en la historia del vidrio opalino, dando lugar a la aparición de nuevas formas y decoraciones. Fue durante este período que aparecieron los llamados jarrones "corneta", las botellas redondas con tapón de bola , cuencos, dulceseras, vinotecas perfumadas y otros artículos novedosos. Las monturas de bronce estaban finamente cinceladas con motivos comunes a la mayoría de los períodos de la Restauración y el Imperio, como delfines, cisnes, palomas o pájaros bebedores.

Par de jarrones de opalina con decoración Desvignes

En este contexto, Jean-Baptiste Desvignes (1786-1826) , pintor y dorador especializado en vidrio, cristal y porcelana, encontró la manera de pintar sobre vidrio opalino. Utilizó pan de oro o plata y exclusivamente pigmentos vegetales, que adhirió al cristal de ópalo. Los tonos mate se limitaron al azul oscuro y al rojo. Predominó el dorado, que se presentaba en delicados motivos de colores claros, como palmetas, floretes y guirnaldas. En algunos cofres y copas, Desvignes aplicó decoraciones góticas. También creó pequeñas escenas ilustrativas inspiradas en las fábulas de La Fontaine, en tonos delicados y apagados de azul, verde suave, ocre y malva, con toques de oro o plata.

Las botellas de vidrio superpuestas también gozaron de gran éxito durante el reinado de Carlos X. Esta técnica decorativa consiste en recubrir el cristal con una capa de esmalte blanco o de color. Fue descubierta por el inglés Joseph Prince of Durham, quien presentó su patente en 1814. Formada a partir de dos capas de vidrio, ya sea semicristal o cristal de diferentes colores, la decoración se crea mediante dos métodos diferentes, que corresponden a una superposición interna o externa. En la mayoría de los casos, la capa externa es de esmalte blanco o de color. La superposición requiere decoración por corte. Al revelar la capa interna, el tallador comienza a cortar la capa externa y crea diversos diseños, como marcas de pontil, nervaduras huecas, patrones de damero, estrellas o cordones. Francia adoptó rápidamente esta técnica. A partir de 1828, la fábrica de cristal de Bercy produjo vidrio opalino superpuesto, seguida poco después por la fábrica de Choisy-le-Roi. Alrededor de 1839, Baccarat comenzó a producir piezas de doble capa. En 1844, Saint-Louis también produjo objetos de doble capa e incluso de triple capa.

Servicio de licor de cristal, época de Carlos X

Los cristales opalinos y los cristales de la época de la Restauración siguen siendo incomparables por la simplicidad y pureza de sus formas, la delicadeza de sus matices y la finura de su cincelado, cada vez más raro después de la época de Carlos X.